Numero del mese

Aveva debuttato nel 2021 il duo denominato Choclat Frog e formato dai tedeschi Tim e Rainer Ludwig e aveva suscitato buone impressioni con una musica indirizzata verso un R.I.O. non estremo, abbastanza vigoroso e che vedeva anche non pochi elementi zappiani tra le varie influenze. Ritroviamo la coppia, ancora affiatatissima, dopo due anni, per questo nuovo album intitolato “On detour to shortcut”. Diciamo subito che se l’esordio era sicuramente più pazzoide, nel secondo lavoro la rotta cambia solo leggermente e non viene a mancare il fattore di imprevedibilità, grazie ad una serie di brani che mostrano una buona attitudine a proporre un sound intricato, ma senza mai raggiungere alcun eccesso. Rispetto al precedente disco, troviamo magari meno melodie sghembe e maggiore potenza e acidità. Se con l’opener “Spaceloop” i Choclat Frog sembrano giocare a fare degli Yes più grezzi con belle sfuriate chitarristiche, la seconda traccia “Bomb alert” ci mette di fronte a quello che sarà l’orientamento prevalente del cd, con riferimenti netti ai King Crimson degli anni ’73-’74, qualche strizzatina d’occhio a certo rock alternativo in voga negli anni ’90 (Mr. Bungle, Faith No More), stravaganze che rimandano ad altri “folli” quali i Residents e asprezze vocali. Ritroveremo caratteristiche simili in “This is my wife”, che ha anche un certo tiro nonostante i break improvvisi, nell’avant-rock di “Pollock”, con la chitarra in evidenza e ancora con svariati cambi di tempo, e in “Bound by instructions”, dove ad un inizio melodico in stile Re Cremisi anni ’80 seguono dissonanze, soluzioni cacofoniche, sperimentazioni, improvvisazioni. Con “Pulp stalking”, invece, i Ludwig presentano una sorta di heavy rock blues indolente e dalle atmosfere cupe, con alcuni frangenti in cui il basso si erge ad assoluto protagonista grazie a solos avvolgenti. La title-track, che con i suoi nove minuti è la composizione di maggiore durata dell’album, è un lungo labirinto sonoro in cui si va quasi alla ricerca di un (impossibile?) punto di incontro tra Robert Fripp e Frank Zappa, con le chitarre e i sintetizzatori a sfidarsi e con ritmi ossessivi tra tempi composti e colpi metronomici. Dopo tanti assalti frontali il finale d’atmosfera affidato ai tre minuti di “Reboot” si mostra misterioso, tra toni ambient ed una curiosa tromba campionata per una conclusione che non poteva essere più inaspettata. Come il suo predecessore, anche “On detour to shortcut” è da considerare un lavoro che richiede più ascolti ed una certa concentrazione per cogliere in pieno le trovate strumentali dei Choclat Frog. Per un approfondimento dei testi, invece, ci viene incontro il booklet di accompagnamento, che contiene anche delle note esplicative riguardanti la genesi dei vari pezzi. Non saprei dire a che livello inserire il duo tedesco in una scala di valori riferita alle frange più avanguardiste del prog odierno; di certo le qualità ci sono e questo progetto viene portato avanti in maniera convincente, con entusiasmo e discreta inventiva.

I District 97, attivi dal 2006, sono riusciti a mantenersi sempre molto attivi, tra pubblicazioni in studio e dal vivo ed un’attività concertistica che li ha portati anche in Italia al festival di Veruno del 2023. Non male per una band che si muove in un mondo come quello del prog, dove è noto che ottenere anche solo un minimo di visibilità è impresa tutt’altro che facile. Ricordiamo che parliamo di un gruppo statunitense nato inizialmente dall’unione di strumentisti che amavano esibire la loro tecnica e che ha subito una sorta di evoluzione con l’entrata della cantante Leslie Hunt, finalista di “American Idol” (il corrispettivo a stelle e strisce di “X Factor”). Mantenendo una solida base di rock suonato egregiamente, i District 97 hanno inserito parti vocali che hanno dato una maggiore immediatezza alla loro proposta, riuscendo comunque a mantenerla avventurosa. “Stay for the ending” è il loro quinto album in studio e conferma tutto ciò di buono che avevano già mostrato in passato. In poco meno di un’ora, possiamo ascoltare dieci composizioni nuove di zecca che vedono protagonisti i talentuosi Andre Lawrence (tastiere), Jim Tashijan (chitarra e voce), Tim Seisser (basso) e Jonathan Schang (batteria e percussioni), oltre la citata Hunt. Fin dall’iniziale title-track e della successiva “Mirror” i musicisti si lanciano in un heavy prog potente al punto giusto e che mette in chiaro, di nuovo, che siamo al cospetto di un gruppo abile a mostrarsi tanto virtuoso quanto accattivante. Poi arriva prima “Many new things” a stemperare le cose, con un leggero tocco elettronico ed un orientamento malinconico che fa buona presa anche grazie a melodie stravaganti, poi “Crossover”, che denota un atteggiamento quasi wilsoniano nel mescolare svariate influenze, tra fraseggi orecchiabili, break improvvisi e tastiere in bello stile. “Divided we fall” è l’episodio più tosto, che porta vicino ad un prog-metal à la Dream Theater, comunque molto ben fatto, mentre “Life cycle” è la ballata delicata che va in crescendo. “X” è una bizzarra introduzione a “X-faded” che spinge su un rock più mainstream, con una modernità dettata da un finale strumentale caratterizzato da ritmi ossessivi. Nuove spinte di prog-metal “intelligente” con “Deck is stacked”, con tanto di spettacolare assolo di batteria poco prima della conclusione, sono perfetto preludio al finale affidato a “The watcher”. E che finale! Oltre nove minuti di trame articolate che riportano un po’ ai fasti dei King Crimson degli anni ’80 e un po’ ai Rush e tra un riff bizzarro che entra immediatamente in testa, un giro di basso incisivo, un’interpretazione magistrale di Leslie, una chitarra ruvida al punto giusto, ritmi variabili che accentuano una notevole imprevedibilità, non poteva esserci chiusura migliore per un disco davvero bello. Nella musica dei District 97 continua ad emergere una situazione di perfetto equilibrio tra complessità ed accessibilità, tra parti strumentali intricate e parti vocali più dirette, tra energia sonora ed eleganza sognante e tra la varietà degli stili toccati. Gruppo da tenere sempre d’occhio.

Questo nuovo lavoro di Colin Edwin segna il ritorno della collaborazione con il chitarrista estone Robert Jürjendal dopo la breve ma significativa esperienza come Slow Electric insieme a Tim Bowness nel 2011 ed a cinque anni di distanza dal loro primo album insieme "Another World"; questo secondo incontro segue uno stile consolidato ma esplora ulteriormente l'elettronica, donando alla musica una dimensione forse ancora più ambient.
I brani dell'album risuonano con toni crepuscolari e minimalisti, più oscuri rispetto alla raffinatezza quasi fusion dei precedenti lavori. Il processo creativo dietro "The Weight Of A Shadow" appare più intimo ed emotivo, con risvolti creativi che sfiorano concetti filosofici ed esistenziali, allo stesso tempo lasciando aperte suggestioni visionarie di paesaggi misteriosi... La direzione musicale si mantiene fedele a traiettorie di progressive electronics ed ambient. La strumentazione, essenziale, vede il basso fretless/doppio di Edwin e la chitarra elettrica di Jürjendal (spesso una Touch guitar U8) come protagonisti. Le sonorità, caratterizzate dall'esteso utilizzo del riverbero delle chitarre registrate nella campagna estone, creano un clima di sospensione e tensione palpabile; la musica mantiene costantemente un profilo discreto suonando come uno strano sottofondo sonoro, un pò ambiguo nelle sue sfaccettature di luce/ombra, che invita a un viaggio interiore di autoanalisi... Fortunatamente, non ci troviamo di fronte a qualcosa di particolarmente criptico, ma piuttosto a un’esperienza che richiede una certa familiarità con una scena musicale che dall'ex Porcupine Tree passa alle frequentazioni di Jürjendal dei guitar craft di Robert Fripp, passando per le flessioni avant-fusion di David Torn o Markus Reuter e le inflessioni ambient-bassistiche di Bill Laswell e Mick Karn, senza tralasciare le più eteree astrazioni di Michael Brook e Bill Nelson. In conclusione, ‘The Weight Of A Shadow’ è un album essenziale e minimale nella forma, ma ricco di imporanti sfumature e significati che si svelano progressivamente ad ogni ascolto.

Albrecht Dürer, massimo esponente della pittura rinascimentale tedesca, non vide mai un rinoceronte dal vero ma nel 1515 ne eseguì un’incisione, divenuta poi molto celebre, con la tecnica della xilografia su legno, basandosi unicamente su una descrizione contenuta in una lettera. I particolari anatomici ne risultano inesatti ma la versione dell’animale che ne scaturisce è per certi aspetti verosimile ma allo stesso tempo incredibilmente esotica e surreale. Capiamo benissimo che si tratta di un rinoceronte ma la sua immagine appare come trasfigurata dalla creatività dell’artista. E’ assolutamente impossibile non subirne il fascino e tutte queste sensazioni traspirano perfettamente da questa insolita creatura che è l’ottavo album in studio dei californiani Jack O’ The Clock. Vi è in particolare un lungo brano che si intitola appunto “Dürer's Rhinoceros”, al quale la copertina stessa del disco si riferisce, che farà emergere piacevoli suggestioni narrative grazie ad una descrizione sonora poliedrica, insolitamente assemblata.
Damon Waitkus, multistrumentista e anima del gruppo, è sempre stato un maestro nel mettere assieme influenze musicali di diversa estrazione in modo creativo ed estremamente personale, donando forme semplici a idee musicali complesse, facendo confluire spietati elementi avanguardistici in una formula piacevole che non prescinde dalla cantabilità. Per questo suo stile unico ricordo con piacere le belle produzioni del passato, che partono nel 2008 con “Rare Weather”, e con piacere ancora più grande prendo atto che questo nuovo lavoro ha soddisfatto ogni aspettativa, spingendosi se possibile anche oltre.
Qualche parola va sicuramente spesa sul ricco organico di musicisti di cui Waitkus ama circondarsi. Egli stesso, oltre a cantare, suona chitarre, pianoforte, flauti ed il dulcimer martellato, strumento che conferisce una piacevole impronta etnica ad uno stile musicale assolutamente multiforme. Un esempio delle potenzialità di questo strumento lo assaporiamo subito nella traccia di apertura, la Genesisiana “The Ladder Slipped”, con le sue riconoscibili influenze folk americane corroborate da elementi etnici di provenienza indeterminata. Troviamo poi Emily Packard al violino e alla viola, Kate McLoughlin al fagotto, Josh Packard al violoncello, Ben Spees alla chitarra microtonale, Art Elliot al piano, Karl Evangelista alla chitarra elettrica, Myles Boised al pedal steel, Victor Reynolds al flauto dolce, alla chitarra, all’armonica e alla voce, Thea Kelley alla voce, Ivor Holloway al sax, Jon Russell ai clarinetti, Keith Waters al sax baritono e, per chiudere, la sezione ritmica con Jason Hoopes al basso e Jordan Glenn alla batteria ma anche ai synth e alla fisarmonica.
Vi rendete conto che abbiamo a che fare con una piccola orchestra e sicuramente ogni strumento è funzionale al raggiungimento di una dimensione sonora densa ed opportunamente stratificata. Alcuni brani, parliamo di quelli più estesi, sono frutto di una gestazione molto lunga che si spinge fino alle prime fasi di vita del gruppo. Fra questi ci sono i già citati “Rinoceronti di Dürer”. Atmosfere orchestrali ed aleatorie si espandono con dolcezza, prendendosi i loro spazi con garbo e poi è tutto uno scintillio di sensazioni sonore, fragranze esotiche, costruzioni cameristiche dai tratti avanguardistici con deliziosi elementi microtonali, speziate colorazioni etniche, in un piacevole turbinio di percezioni che ci rimandano a Gentle Giant, Henry Cow e Genesis. L’alito del folk americano si tinge di profumi orientali con nuance jazzy e deliziosamente Canterburyane in un ibrido inebriante. Le idee melodiche di base sono sempre lucide ed intellegibili e si esemplificano in un cantato nitido che viene spartito fra la voce vellutata di Waitkus e quella cristallina di Thea Kelley. Se dovessi scegliere un brano su tutti che possa esemplificare la genialità e la duttilità di questo gruppo potrebbe essere proprio questo.
Ma le sorprese non finiscono qui e “How are We Doing…”, l’altro pezzo esteso, ci sbatte in faccia scenari sonori sconnessi dal temperamento industriale e dall’anima free jazz. I giochi si fanno sicuramente più duri in questa traccia che assieme alla successiva “And Who Will Tell Us?” ci riporta concettualmente all’omonimo album del 2011 dal quale immagino che certi frammenti siano schizzati fuori con violenza. Present ed Univers Zero possono esser chiamati benissimo in causa per questa formulazione bizzarra, complessa e stressante ma ad ogni fase di tensione ne corrisponde una di distensione in cui le tenebre si diradano alla luce soprattutto di parti cantate fruibili e dai contorni morbidi. Melodia e rumori, orchestrazioni e ritmi spezzati trovano una sintesi equilibrata e caleidoscopica, esemplificando quindi la familiarità e allo stesso tempo l’esoticità del nostro rinoceronte. Alcuni episodi sono semplicemente deliziosi, come la poetica ballad “This Is Just What It Seems” o come la delicata “Snowman on a Ledge”, fragile miniatura che chiude con semplicità un album complesso ed affabile da esplorare con curiosità ed avidità.

I Jazz Q erano una di quelle band per le quali il palco era anche momento per perfezionare nuove composizioni. Il materiale d’archivio uscito negli ultimi anni è lì a dimostrarlo ed accogliamo con piacere questa nuova pubblicazione che recupera un concerto inedito registrato a Pilsen nel 1980. Era l’anno di uscita di “Hodokvas”, brillante lavoro di fusion, che non disperdeva la componente jazzistica sempre presente nella musica della band, accentuandone le caratteristiche più rock. Ed una certa robustezza la si avverte anche ascoltando questo nuovo documento, soprattutto per merito di Frantisek Franci, che con la sua chitarra abrasiva è perfetto contraltare del leader Martin Kratochvil, sempre pronto con le sue tastiere a spingere invece sul versante jazz. La line-up dei Jazz Q ha subito variazioni continue nel tempo e all’epoca era completata da Vladimir Padrunek al basso e da Pavel Trnavsky alla batteria. Il live in questione mostra una band solida, che suona alla grande e nella quale ogni componente dà un contributo fondamentale. Il basso è potente e in bella evidenza in ogni pezzo, il moog e il piano elettrico di Kratochvil si lanciano in spazi solistici che trasmettono sempre belle vibrazioni e si può dire che i Jazz Q sono stati catturati in una prova decisamente felice. “Pralesni pisen” è un’apertura perfetta dello show, con un jazz-rock potente che mostra subito le qualità del gruppo. “Pecet” (tratto da una compilation e che dal vivo guadagna molto) e “Madona” sono due momenti più lenti e misteriosi, con Kratochvil abile a infondere con le sue tastiere una certa epicità. “Trhanec” è un episodio che verrà registrato in studio solo per “Asteroid” del 1984 e qui rappresenta una deliziosa primizia con la sezione ritmica pronta a pulsare con insistenza e a dare notevole vigore al brano. Stesso discorso, ancora più marcato, per “Az se ucho utrhne”, che parte e si conclude in maniera molto energica, mentre nel mezzo si fa più raffinata con le fughe incantevoli delle tastiere. Questo live dura soltanto trentacinque minuti, ma è sicuramente un gran bel ripescaggio e vale la pena fare questa spesa per arricchire la vostra collezione, soprattutto se siete amanti del jazz-rock progressivo strumentale.

“Salighet” si traduce dal norvegese con “beatutudine”, la sensazione cioè che ogni appassionato di Prog sinfonico di stampo nordico dovrebbe provare assaporando le sette nuove tracce che compongono questa quarta prova discografica degli Jordsjø.
Il duo di Oslo, composto dal batterista e percussionista Kristian Frøland e dal multistrumentista Håkon Oftung (voce, flauto, chitarra, basso, Hammond M100, Clavinet D6, ARP Pro Soloist, Fender Rhodes e Solina), col contribuito di tre ospiti, il clarinettista Mats Lemjan, il tastierista Ståle Langhelle con un ARP Pro Soloist aggiuntivo e Vilde Mortensen alla voce, conosce bene gli ingredienti ed i punti forti di un certo tipo di Prog e li usa senza esclusione di colpi per arrivare dritto al cuore degli ascoltatori. Mai come ora la loro arte ha raggiunto tali livelli di compiutezza e maturazione, offrendoci tutto ciò che una certa fetta di appassionati brama, in un turbinio di déjà vu che si basano sui piacevoli suoni di sintetizzatori vintage e sulle colorazioni brumose del folklore scandinavo.
Con “Salighet” il gruppo esplora forme diverse di estasi che siano esse evocate da un’escursione in montagna o da una danza o da una qualsiasi forma di viaggio interiore, non necessariamente di natura religiosa. I brani hanno tutti una propria anima talvolta selvaggia, talvolta misteriosa ed altre volte dolce ed inafferrabile. “Invokasjon” è un breve strumentale che ci accoglie in modo energico, col suo organo tempestoso ed il flauto, secondo un copione già visto con gli Änglagård. Colate di tastiere di stampo sinfonico ci conducono verso scenari rarefatti e cameristici e le sensazioni mutano repentinamente come spesso accade nell’arco di questo album. “Sankeren” presenta una vocazione folk più netta con momenti elegiaci che ricordano un po’ i Wobbler. La voce di Håkon è timida ma piacevole e perfettamente adeguata al mood del brano che improvvisamente cambia ritmi e pathos, si elettrifica, si tinge di psichedelia e acquisisce imponenti contaminazioni Crimsoniane.
“Salighet I” ci corteggia con le sue colorazioni semiacustiche. Troviamo riferimenti Tulliani e densi richiami ad Änglagård ed Anekdoten. Le aperture tastieristiche sono vellutate, con elementi folk e spiragli di musica antica. Le suggestioni sono quelle di un fitto sottobosco con le sue fragranze muschiate ed i cangianti giochi della luce che occhieggia atraverso nel fitto fogliame. “Salighet II” si nutre di contrasti più decisi anche se appare in continuità emotiva con il precedente episodio. L’architettura è complessa e non lineare, gli spunti sono molteplici in un mosaico ricco di melodie ed arrangiamenti. “Ura” ha sentori psichedelici più evidenti ma il momento più elevato del disco è forse rappresentato dalla conclusiva “Stjernestigen”, “la scala delle stelle”, un pezzo decisamente cinematografico, imbevuto di una dolce sinfonicità, con sentori notturni e preziosi momenti cameristici. Il brano si sviluppa adagio lungo sentieri tracciati da synth con i registri soffusi degli archi che gradualmente sfumano via portando verso l’oblio un album breve ma intenso ed onirico di cui sono sicura che ci ricorderemo ancora a lungo.

Dopo i buoni riscontri con il bell’album “Puer aeternus” degli Ancient Veil, a inizio 2024 è stato pubblicato anche il nuovo solista di Edmondo Romano. Stiamo parlando di un musicista che in ambito prog non dovrebbe avere bisogno di presentazioni, visti gli oltre trentacinque anni di carriera che lo hanno visto protagonista con Ancient Veil e Eris Pluvia in primis, ma durante i quali si è ritrovato a suonare e collaborare con una miriade di artisti di spessore e anche solo accennare una lista sarebbe davvero riduttivo. Il suo nuovo parto “Religio”, concept nel quale viene esaminata la relazione dell’uomo con il visibile e l’invisibile, è il capitolo finale di una trilogia dedicata alla ricerca interiore umana. Nello specifico, si parla del percorso che fa l’uomo con una crescita spirituale, tenendo conto anche del suo rapporto con la religione (da qui il titolo). Per la realizzazione dell’album si è contornato di musicisti e cantanti talentuosi, dal diverso background, cosa che ha permesso di andare ad esplorare in libertà e di mantenere una qualità sempre elevata in tutti i tredici brani proposti. Già l’introduzione strumentale intitolata “La creazione” fa capire molto dell’orientamento stilistico dell’album, con la raffinatezza dei fiati di Romano che va ad unirsi ad un comparto orchestrale pregno di romanticismo e mistero, con vocalizzi femminili a condire il tutto. Quest’eleganza sonora si manterrà fino alla fine ed è una caratteristica che non si perde mai. Tra bozzetti strumentali ed uno spirito di ricerca mai domo, gli elementi classicheggianti e da camera, con gli archi spesso in evidenza, emergeranno costantemente durante l’ascolto e, senza far venire meno l’omogeneità del disco, non mancheranno episodi più particolari, nei quali si vanno a toccare un jazz soffuso e notturno (“What I want to be”), sperimentazioni vocali tra il classico e la world music (“In estasi” e “Agape”), ambient (“La seduzione”), la lirica (“Nel mio andarmene”), incantevoli atmosfere pastorali (“La scelta”), fino al finale altisonante de “L’urlo di Eliso”. Non siamo certo di fronte ad un classico album prog (qualsiasi cosa intendiate con questi termini), ma ad un lavoro meritevole non facilmente catalogabile, che abbatte le barriere, che fa dell’eleganza il suo punto di forza e che mette in mostra la piena maturità di un musicista capace di incantare con svariati progetti.

Il nome di Lord Vrajitor, alias Juuso Peltola, stuzzicherà sicuramente l’interesse dei lettori vicini al metal. Già, perché il musicista finlandese è attivo da anni in svariati progetti, tra i quali ricordiamo Old Sorcery, Argenthorns e Warmoon Lord, abbastanza vicini a certi filoni estremi. Eppure tra le passioni di Vrajitor c’è anche quella che lo lega alle colonne sonore di film horror ed exploitation, soprattutto italiane. Si è voluto così lanciare in questa nuova avventura denominata Vrajitor’s Tenerarum e dichiaratamente ispirata a Maestri come Goblin, Fabio Frizzi, Riz Ortolani, Bruno Nicolai, Jacula e Devil Doll. Una base di partenza non dissimile da quella degli svedesi Anima Morte o dei nostri connazionali Albero del Veleno per il musicista, che è autore di tutte le composizioni, si impegna con chitarre, basso, bouzouki e sintetizzatori e si fa accompagnare da personaggi dal nome misterioso, quali Metronomicon alla batteria (chi l’avrebbe mai detto…), Ville Jolanki al sassofono e al clarinetto e E.N.R.I. alla chitarra dodici corde. Completa il quadro la presenza di alcuni cantanti, con più voci femminili, anche se per lo più siamo di fronte ad un disco, intitolato “E.N.L.D.”, strumentale. “Et mors pallida venebit”, è una gustosa introduzione guidata da un organo sepolcrale e dove compare una parte recitata da una voce femminile, così, i primi parallelismi che scattano sono quelli con i nostrani Jacula. “Rubedo” parte con un riff minaccioso di tastiere e i Goblin sono dietro l’angolo; l’entrata della sezione ritmica dà uno scossone heavy, consolidato dalle soluzioni chitarristiche. I Goblin sono evidenti punti di riferimento anche in diverse altre composizioni, quali “Black frog”, “Lucus horribilem aquae pestilentem” e “Sanitarium song”. Vrajitor’s strizza di nuovo l’occhio agli Jacula con “La maledizione della fanciulla alata”, narrata in italiano, nuovamente da una voce femminile, mentre “Venus in the closter” è un pezzo più particolare, con un’introduzione dalle tinte fosche dove si uniscono timbri elettrici ed acustici, con un leggero sapore folk ed un prosieguo malinconico nel quale risaltano melodie quasi morriconiane. “Volantes castrum” ha la particolarità di mettere in evidenza il sassofono, che spicca tra orchestrazioni altisonanti, ritmi sincopati, vibrazioni funk-rock ed una linea di basso che aiuta a caricare il brano di un groove intrigante. Pioggia, campane, rintocchi ad una porta che si apre e si chiude, passi, catene che strisciano per terra, altri rumori metallici, voce distorta e demoniaca e sound ambient per poco più di due minuti in pieno horror style ed anche “Panctum ultra sepulcrum” è pronta a portare qualche brivido. “Exorcismus” è un brano ancora più vicino al prog, con le tastiere a guidare un rock sinfonico dalle tinte ovviamente dark, con indovinate variazioni ritmiche. Conclusione nuovamente in stile Jacula, con “Semper victimas vult”, che sembra la chiusura perfetta di un cerchio. È facile entrare in sintonia con questa musica che ha una componente emozionale non indifferente ed è positivo l’approccio al mondo del prog di Vrajitor, anche se il suo retaggio legato a musica particolarmente energica comporta qua e là qualche pesantezza che appare leggermente forzata. Difettuccio veniale che non inficia la buona riuscita dell’album. Le impressioni finali, infatti, sono quelle di un lavoro sicuramente gradevole e ben costruito, in grado di portare ai giorni nostri scenari sonori in voga oltre cinquanta anni fa e che non faticherà ad entrare nelle grazie di chi, come Vrajitor, ha un debole per le colonne sonore horror.