Numero del mese

Nella cornice di Piazza del Campo a Siena ho avuto il piacere di incontrare Adolfo e Alessio Silvestri degli Antilabé per un’intervista “analogica” e in vecchio stile in cui emerge l’aspetto umano e creativo di un gruppo che ha saputo ridisegnare in modo personale i confini della musica che amiamo. “Animi Motus”, il loro ultimo album uscito nel 2023 per la Lizard, esprime con freschezza il loro credo artistico, fatto di sincretismi musicali e culturali, passione per i dettagli e per l’arte in generale, in cui sono impresse emozioni in grado di penetrare l’anima di chi ascolta. Per ulteriori considerazioni che riguardano quest’opera, vi rimando alla relativa recensione già pubblicata su queste pagine e vi lascio invece alle nostre chiacchiere sperando vi diano l’input ad approfondire la conoscenza di questa splendida realtà musicale.

Prima di tutto grazie per questo incontro. Mi piacerebbe sapere che cosa è successo dal vostro precedente album, “Domus Venetkens”, uscito ormai qualche anno fa...

Adolfo:“Domus Venetkens” era uscito nel 2018. “Animi Motus” è stato in embrione dal 2020, era in periodo COVID, per circa un anno e poi è stato pubblicato nel 2023. Il discorso del COVID ci ha isolati. La traduzione di “Animi Motus” dal latino è “movimento dell’animo”, quindi emozioni. Volevamo esplorare in questo modo tutte le emozioni che ci hanno coinvolto e sconvolto in quegli anni e quindi ecco perché questo lavoro è legato a ciò che le parole ed i suoni possono descrivere di tutta questa pandemia che ha colpito noi e tutto il mondo. Abbiamo voluto dare la nostra interpretazione di queste emozioni in modo che potessero essere condivise, se non nella stessa modalità, quanto meno in modo simile.

Pensate che la vostra vita artistica sia cambiata in qualche modo in base alle emozioni portate dalla pandemia?

Innanzitutto c’è stato un cambiamento anche dal punto di vista compositivo perché è andato via il vecchio tastierista, Graziano Pizzati, quello che aveva dato la sua impronta a “Domus Venetkens” e anche in parte ai brani ancora precedenti, anche se dal punto di vista esecutivo in “Diacronie” non c’erano le tastiere ma c’era tutto un lavoro legato alle percussioni e alle percussioni tonali. Da quel punto di vista abbiamo voluto dare un’impronta un po’ diversa rispetto a “Domus Venetkens”, però c’è sempre un concept di base che in questo caso riguarda l’approccio alle emozioni. Partendo dai “Labirinti della mente” (la prima traccia ndr), cioè l’approccio della mente nei confronti di ciò che ogni giorno, quotidianamente affrontiamo, arriviamo alla parte finale che è “Una luce nuova” in cui scopriamo che c’è sempre uno spiraglio. Dobbiamo vedere sempre qualcosa in fondo al tunnel e quindi superare i momenti della vita attraverso tutta la serie di emozioni che abbiamo vissuto in quel periodo e che normalmente viviamo, chi più chi meno, in base alle modalità e agli strumenti che abbiamo a disposizione”.

Una cosa che mi è sempre piaciuta del vostro stile è il saper incorporare elementi etnici nell’ambito della vostra musica. Questa volta che elementi sono stati incorporati?

Abbiamo inserito degli strumenti molto particolari come lo handpan in un brano che è “Dubitar”, dove troviamo anche elementi un po’ diversi dal solito grazie a degli special guest al flauto e all’oboe, con una struttura un po’ vincolata perché risente della scala obbligata che noi utilizziamo (data dall’accordatura dello handpan ndr). Però dietro c’è tutto un lavoro di assemblaggio che consente a tutte le parti di lavorare bene insieme. Questo brano è anche caratterizzato da una lingua particolare che è il sabir che veniva un tempo utilizzata nei porti del Mediterraneo per poter lavorare in modo più semplice e che era un insieme di tante influenze. Il termine Sabir deriva dallo spagnolo “sapere”. I portuali nel bacino del Mediterraneo erano un po’ italiani, quindi troviamo vari dialetti dal veneto al siciliano, troviamo anche un po’ di arabo e di spagnolo. Abbiamo elaborato un testo che potesse andare bene. “Dubitar” significa “dubitare” e riguarda quindi i dubbi che ci hanno assaliti in epoca COVID.

Quindi la musica è sempre come una metafora di incontro anche in questo caso… e voi in quello che può essere il contenitore del Progressive Rock come vi ci vedete dentro?

Sempre di più, anche se molti rimangono legati a quello che è stato il Prog degli anni Settanta. Io mi ritrovo in questa situazione, visto che si tratta di miei coetanei e io ero ascoltatore e musicista già in quegli anni. Devo però dissentire un po’ e divergere rispetto a quelle che sono le condizioni di ascolto e anche di composizione di questi miei coetanei. Perché dico che si può fare ancora oggi del Prog e andare avanti, quindi cercare anche di inserire elementi nuovi come abbiamo fatto in passato e come continuiamo a fare in questi nuovi brani in cui abbiamo inserito addirittura dei recitativi, in uno da parte di una ragazza, Martina Vettoretti, che è la figlia di Marino, il nostro chitarrista, e in un altro abbiamo utilizzato proprio un attore professionista, Enzo Giraldo, che è nostro amico.
Ci tenevamo ad avere questa interpretazione un po’ teatrale che andasse in qualche modo a convergere su quelle che erano le nostre espressioni musicali. Quindi per noi questo era un elemento di progressione che significa andare avanti. Abbiamo inserito strumenti nuovi, quindi etnici, come lo handpan, come anche strumenti classici che prima non avevamo utilizzato, l’oboe di Arrigo Pietrobon e il flauto di Giuseppe Bepi De Bortoli, e abbiamo utilizzato ancora il pianoforte acutisco cioè il gran coda Steinway che abbiamo già suonato in passato. Poi ci sono elementi di musica elettronica, c’è l’orchestra di archi addirittura (la Magister Espresso Orchestra) nell’ultimo brano. Ci sono quindi elementi diversi.

Siete riusciti a proporlo dal vivo?

In pochissime occasioni come quando c’è stata la presentazione ufficiale e in quel caso c’era anche il quartetto di fiati del nostro sassofonista Alessandro Leo che ha interpretato uno dei nostri brani. Purtroppo però la musica originale non è sempre così apprezzata e allora questa mancanza di spazi ci ha portato ad avere delle collaborazioni particolarissime come quella con una poetessa e traduttrice argentina, Luisa Futoransky, e abbiamo fatto un recital sulle sue poesie, tratte da una antologia che si intitola “Pittura rupestre”. C’era quindi la nostra musica assieme alla lettura delle sue poesie con una presentazione che è avvenuta anche nell’Università di Parma grazie all’interessamento di due docenti che si occupano di letteratura ispano americana.
Poi abbiamo avuto anche un’altra collaborazione con un’altra scrittrice che si è occupata di Alzheimer, Daniela Gianfrate, e che ha scritto un libro per bambini in cui si cerca di far capire le sensazioni che si possono provare di fronte ad una nonna con demenza. Quindi è il tentativo di fare qualcosa di diverso per continuare ad essere visibili in un contesto in cui è difficile trovare spazi, perché la gente non ascolta più e non sa cosa sia la qualità della musica, dei suoni, e quindi vedere dei musicisti dal vivo non è più di moda. Stiamo vedendo addirittura nel nostro contesto, per lo meno a livello della nostra regione, che persino le tribute band e le cover band hanno problemi. Vediamo proprio come questo panorama stia cambiando
Notiamo questo soprattutto nelle fasce giovanili ma non voglio fare di tutta l’erba un fascio, ho anche mio figlio che ha la possibilità di farmi conoscere un mondo diverso dove ci sono anche lì cose belle da ascoltare, cose interessanti e cose nuove, però è anche vero, e lui stesso me lo dice, che purtroppo si fa fatica ad analizzare il suono e ad ascoltarlo nella maniera più giusta e corretta. Per capire, anche nell’ambito dell’elettronica, il suo preferito, l’ascolto avviene a livello immediato, quindi con qualsiasi strumento che sia una chiavetta o un iPhone e non è la stessa che ascoltare con un impianto HiFi. L’alta fedeltà non si sa più cosa sia per un pubblico giovanile e quindi questo poi porta di conseguenza a degli ascolti molto diversi.

Probabilmente sono fenomeni tutti legati gli uni agli altri, una conseguenza a catena credo. Invece per quel che riguarda la tua attività di scrittore, cosa mi puoi dire?

La mia attività di scrittore è continuata, nel senso che ho pubblicato un libro di poesie… anche se poesie alla fine lo sono anche tanti testi degli Antilabé.

Quindi è sempre poesia e musica…

Sì, poesia e musica, quindi testi allegorici, quelli che mi hanno diciamo condotto a scrivere. Ho iniziato a scrivere testi di brani, ma anche qualche poesia, già nel periodo adolescenziale e universitario. Li scrivevo di tanto in tanto però avevano sempre questa sonorità di base: mi piaceva sempre unire e cercare di trovare questa comunione fra suoni e parole, parole e suoni, elementi che abbiamo definito poi con un nostro motto come gli strumenti universali per unire nel tempo, che sono appunto le parole e i suoni.

Invece per quanto riguarda l’aspetto di produzione e post produzione dell’album, per voi è importante anche agire sul supporto fonografico?

Certo, questo era il nostro quarto lavoro per cui abbiamo voluto anche soddisfare alcuni nostri vecchi desideri, soprattutto del chitarrista, ma abbiamo trovato conforto anche nelle leve più giovani del gruppo perché anche loro che non hanno vissuto il periodo storico del vinile hanno detto che è stata una bella esperienza e la sorpresa più grande è stata quando il mastering è andato a essere prodotto su vinile. Il mastering è stato fatto presso gli Alchemy Air Studios di Londra, quindi con grande soddisfazione, perché è lo studio che si occupa oggi di tutte le produzioni di alta qualità che vanno dai film a quelle dei grandi protagonisti della musica. In più abbiamo avuto la fortuna di trovare una ditta tedesca che ha portato il mastering su vinile e lì è stata la grande sorpresa perché molte volte non si trova un prodotto di alta qualità è cioè non avviene una fase di trasposizione adeguata di quella che è la parte digitale su vinile. Con grande stupore e molta gratificazione a noi sembra che addirittura il vinile suoni ancora meglio del digitale. Ma questo è stato un feedback che ci hanno dato molti di quelli che hanno comprato il nostro LP. Si sono ritrovati d’accordo soprattutto i grandi cultori dell’Hi-Fi e con questo prodotto i feedback sono stati tutti positivi. Tutti ci hanno detto che c’è una grande qualità. Invece i CD che ci sono in giro, ci sono perché abbiamo anche i file digitali, abbiamo messo a disposizione una copertina ad ottima risoluzione e puoi farti anche il CD se vuoi, però noi i CD ufficiali non li abbiamo fatti.

A parte che non esiste neanche quasi più la concezione del CD e il lettore CD è diventato quasi una cosa antiquata come quello delle cassette…

Alessio:Specialmente nella nostra generazione si vede il vinile come un qualcosa di facente parte di quell’universo di ritorno al vintage che si vuole perseguire ultimamente e probabilmente si dice che se dobbiamo tornare a qualcosa di vintage lo dobbiamo fare bene tornando al vinile invece di settarci su quella tappa intermedia durata pochi anni che è stato il CD. Non tutti sono disposti a comprare un giradischi perché richiede una certa cultura ed è necessaria una catena audio.

Per quel che mi riguarda, mi spaventa in un certo senso staccarmi dal supporto in favore di una forma fluida di arte…

Alessio: All’inizio pensavo anche io che fosse una conseguenza naturale dell’evoluzione della musica poi però ci ho riflettuto e ho approfondito il rapporto che ha la musica con Spotify e sono venuto a capo della questione del perché per esempio noi paghiamo 9 euro e 99 per un abbonamento. Si potrebbero aprire mille parentesi, ad esempio sul perché ci cono persone che dicono di averlo crackato e che non vogliono pagare gli artisti. Quando sono diventato un artista ho capito quanto sia importante remunerare gli artisti stessi quindi ho acquistato il piano di abbonamento. Però la cosa veramente preoccupante è che con il 95-96% dei soldi che spendiamo per il piano mensile di Spotify non stiamo pagando la musica di quegli artisti ma stiamo pagando affinché i server di Spotify, che sono in Svezia, possano fare in modo che noi ascoltiamo la musica in streaming in tempo reale. Cioè dei 9 euro e 99, 9 euro servono solamente a Spotify per raffreddare i server e per poter garantire il servizio di musica illimitata e istantanea a tutti, l’altro euro viene diviso fra gli artisti in base a quanto vengono ascoltati. Per cui è un sistema che di base non è pensato per facilitare la produzione di musica e quindi non è un sistema che incentiva una musica di qualità.
Diventa un cane che si morde la coda perché un artista che vede questo meccanismo dice che non potrà mai guadagnare nulla dalla musica e dice “cosa mi costa fare musica di qualità, cosa mi costa investire mesi, anni di studio della mia vita se poi non mi ritorna nulla di quello che ho fatto?”… E allora si fa sostanzialmente musica di un livello più basso, però se ne fa di più e quindi si saturano i sistemi e quella musica poi arriva a chi ascolta e chi ascolta quindi costruirà il suo bagaglio culturale, la sua cultura musicale, su questo tipo di cose qui e questa è secondo me la cosa più preoccupante.

State iniziando a lavorare a qualcosa di nuovo?

Adolfo:Adesso siamo in fase di stasi. Ci sono queste collaborazioni con la scrittrice che ha scritto sull’Alzheimer e dall’altra parte con il recital delle poesie della poetessa argentina. Sono delle collaborazioni che ci permettono anche di fare brani nuovi perché per il recital della poetessa argentina abbiamo scritto una milonga di proposito, quindi un brano originale che è stato apprezzato dalla poetessa stessa che attualmente vive a Parigi, in Francia, e sto aspettando anche che ci siano degli sviluppi in merito. Noi abbiamo già dei video con lei che legge alcune sue poesie.

Magari il pubblico può essere ricavato fra chi fruisce di poesie e letteratura che magari pur non essendo esperto di musica si può appassionare perché ha una forma mentale simile: si parla a chi ha la stessa sensibilità…

Una forma anche artistica direi. E’ un po’ anche il discorso di diversificare per cui se uno ha una fabbrica che va in fallimento ha bisogno di diversificare il prodotto per cercare di tirarsi su e noi cerchiamo più che altro di essere visibili, perché poi ognuno di noi in altri ambiti ha il suo lavoro, dal momento che non viviamo di musica strettamente. Però chiaramente volendo presentare il proprio lavoro e non trovando gli spazi per poterlo fare bisogna inventarsi qualcosa e noi ci siamo inventati questo cercare di proporre la nostra musica attraverso forme artistiche diverse.
A proposito di arte, la copertina dell’LP è un dono di un pittore friulano molto conosciuto che si chiama Pier Toffoletti e che ha fatto delle mostre conosciute in ambito internazionale, mi pare sia a New York adesso. Ha uno stile tutto particolare e noi gli abbiamo chiesto quest’opera. Siccome il volto era rivolto a sinistra, ma in questo modo, nell’LP, l’immagine si sarebbe adattata alla parte posteriore, quindi non aveva senso, ho chiesto all’artista se potevo riflettere questo volto e lui me lo ha concesso.

A conti fatti quindi forse non conviene dire che si è Prog. Se ti dovessi inventare una definizione?

Io sono dell’avviso che, musicalmente parlando, sono nato negli anni Settanta. Io chiedo sempre, anche agli altri coetanei, se secondo loro uno sperimentatore come Demetrio Stratos oggi avrebbe fatto le stesse cose. Io dico di No. Se vuoi, la nostra musica è un grande calderone dove convive tutto quello che ci interessa, dalla musica classica (perché ci sono molti spunti classici nella nostra musica) fino alla musica etnica, fino a certi sperimentalismi. E’ chiaro che non abbiamo inventato niente di nuovo, se andiamo a vedere tutto il percorso dell’universo sonoro da quando è nato il suono e da quando poi ha avuto tutto il suo processo evolutivo fino ad essere immagazzinato, organizzato e codificato. Ma questo possiamo vederlo in tutte le espressioni artistiche, possiamo arrivare ad un livello estremo sia da una parte che dall’altra, ma alla fine bisogna andare avanti con qualcosa di originale. Gli elementi sono sempre quelli, possono essere più o meno evoluti, ma alla fine è come li assembli che dà l’originalità e quindi cerchiamo di assemblarli in un modo che è il nostro sentire, il nostro stile. Il fatto di ricollegarci sempre a delle lingue strane, antiche, testi particolari, è un po’ il nostro modo di sentire, quelle che sono sono le nostre impressioni cerchiamo di metterle insieme e il risultato è la musica degli Antilabé.

Le nuove produzioni mi danno sempre più spesso una sensazione di peso e di noia, io invece inviterei ad ascoltare il nuovo album degli Antilabé.

Riuscire ad esprimere quello che hai dentro attraverso le parole e i suoni è tutto perché il compito dell’espressione artistica è proprio quello di trasferire emozioni. Anche quando guardi un quadro, se lo fai in modo superficiale e te ne vai via non ti rimane nulla, ma se invece approfondisci con lo sguardo e vai in fondo al dettaglio e ti chiedi perché il pittore ha voluto fare così, perché c’è quel colore, cosa c’è lì dietro, si rivela tutta una serie di cose che cercano di avvicinarti all’artista. Non devi necessariamente provare le stesse emozioni ma l’opera ti deve trasferire delle emozioni e quando avviene il processo di trasferimento delle emozioni, secondo me l’artista ha ottenuto quello che voleva, l’obiettivo finale è quello. L’obiettivo finale è dare e ricevere e questo avviene anche se tu non sei più vivo e tu ricevi ancora feedback da chi guarda la tua opera e da chi ascolta la tua musica.

After a ten-year wait, Echolyn’s new album is finally out. In reality, it’s not just one album, but two, for a total of just over 90 minutes of music. Time Silent Radio vii and Time Silent Radio ii, distinguished in this way by the number of songs contained in each of the two CDs, show a band that appears to be in great health, totally independent artistically and that gives us a work that can easily be counted among their best things (and Echolyn have never produced bad works). This and much more was discussed in the interview below with Christopher Buzby (keyboards, backing vocals), Brett Kull (guitars, lead vocals and backing vocals) and Ray Weston (bass, lead vocals and backing vocals) who agreed to answer the questions of an admirer like myself…


Hi guys and thanks for your availability to answer my questions. I personally met you in 1995. After reading some articles about you in a couple of progressive rock fanzines, a friend made me listen to Suffocating the Bloom and As the World, briefly introducing the band as similar to Gentle Giant. The spark didn’t strike right away (your music requires a minimum of consistency before being appreciated) but then you became one of my favorite bands. I consider Echolyn among the best 5 bands ever among those born after the Seventies (if you’re curious the other 4 are Opeth, Gov’t Mule, Landberk and The Amazing). I have all your records (including the side projects to the band) and so it’s exciting for me to be able to interview you. So forgive me if some questions seem a bit too fan-like…
Let's begin…
It’s been 10 years since the last Echolyn album. It’s never been so long between your albums. I know you started working on it in 2018. Why did you let so much time pass?

Chris Buzby: I moved full-time to what used to be my second home in Southern Delaware in July of 2014 and took a teaching job in Berlin, Maryland. While I’m only 150 miles south of where Brett and Ray live in PA, that’s still a 2.5 hour drive one-way…so unfortunately that made it much harder for us to see each other as much and as often. I was also diagnosed with Stage 3 Prostate Cancer in March of 2019 and had emergency surgery that June to remove my Prostate, which sidelined me for a few months while I recovered. I am, however, very happy to report I’m about to pass the 6-year mark of now being cancer-free. My PSA for the PSA; guys = get checked!
Brett Kull: We get together to write and record when the time allows and circumstances call.
Ray Weston: After the last album we needed to take a mental vacation, some time away to clear our heads and figure out where to go next. Chris and Brett started in ’18 and soon realized they needed the best looking guy in the band back so they gave me a holler. Shortly after that Chris has some scary health issues….. covid, work, and of course life happened. We never felt any pressure to get these albums finished. We knew the songs would tell us when they were ready. For me the extra time took the stress off of writing some of the best lyrics Brett and I have written.

The quality of the songs is very high, in my opinion at the level of your best works, I think also because each composition has been created and refined in the smallest details over all these years. I often joke that there should be a law that forces Echolyn to release an album every two years. I wonder: would the quality of the compositions change if you were faster? And can you give me a little description of how your compositional and recording process works?

Chris: So happy to hear you rank the quality of these new songs so high - we, too, feel they are some of our best musical output, to date, as a band. The process always starts with Brett, Ray or myself bringing an idea to the band for a show-and-tell session. During that session we noodle around with it, dissect it and decide whether it feels echolyn-like or echolyn-enough. It’s a cool process to witness/partake in, as once the scaffold of a song is created we then work to add our own individual parts and sections to the original ideas, including lyrics, melody lines, vocal harmonies, instrumental breaks, solo sections, drum tracks, etc.
Brett: Once we start the process of writing and recording, at least for me, we feel compelled to complete whatever we are working on, with obvious respect to all the other things going on in our lives. We actually work very quickly when together because we intuitively are single-minded in our writing. What affects how long our process takes is what is going on in the spaces between when we are together. The only “law” that would force us to get songs and albums done quicker would be a law stating that we get paid enough money to pay our bills and live a normal life through our music. Making money with our music has no bearing on the quality of it, yet it does affect (as do other things) how much time we can spend working on our songs. In short, the process of writing is second nature at this point. Chris, Ray, and I have been doing it together since 1989 and we have gotten dangerously good and efficient at working together. We work together when we find the time.
Ray: Faster is not better. We, I need life to happen to find new things to write about. Music…is a different animal all together. We can come with riffs all day long but they need to carry the weight of who we are. So again I say faster isn’t better.

After years of self-production you have once again relied on a producer, Glenn Rosenstein. Why this choice?

Chris: Glenn was actually hired to mix and master the new album tracks alongside Brett, as Brett was very close to the project and simply wanted and needed some outside ears and perspective. What Glenn brought was an honesty to the process that also included the awesome opportunity to use a lot of his studio and outboard gear - adding a luster and shine to the new music that is a crystal clear mix, but also incredibly warm and inviting sonically.
Brett: Actually, the new albums, “Time Silent Radio II” and “vii” are produced the same as all our albums, except “As the World”. Chris, Ray, and I have been working the same and getting better since day one. I generally spend the most time thinking about how our ideas fit together, recording them, and mixing them. That is not to diminish what Chris and Ray contribute, I only say it to point out the practical obviousness of me being an audio engineer and the person making choices on how the puzzle of a song fits together through the technology at my fingertips. I constantly am thinking about the sounds and how they fit together to create the emotions we intend. This is part of what a producer does and what I have been doing since, as mentioned, day one. Ray and Chris trust me on this and I rely on and trust them to hold me to the highest quality in serving the music. I would equate it to Chris writing string or horn parts for our music. Most of the time he is working on his own, putting the time in and creating amazing accompaniments for our songs. Ray and I trust Chris and allow his creative autonomy to create his arrangements, just as Ray and Chris trust and allow me to rearrange arrangements, make choices on sounds, and put all the elements together with foresight towards a final product. This has been the way it is on all our albums except “As the World”. In that case we had Glenn Rosenstein as the producer. For our two new albums, “Time Silent Radio II” and “vii”, I was not able to get the mixes I wanted because I was too deep and in too long with in the production, writing, and performance side of our songs to objectively serve the songs as the mix engineer. In short, Glenn stepped in and got us to the finish line by being a fresh and very objective mix engineer. He listened to my production and did what was needed to elevate the music to where we as a band aspired. It’s a testament to Glenn’s talent as both a producer and engineer that he absorbed the immensity of this project and was able to do what he did.
Ray: Brett has some of the best ears in the business. His vision, his ability to create space is uncanny. With that said, he felt that he had taken these songs as fas he could. With some luck and a bit of nostalgia our friend Glenn stepped in and gave Brett’s space more space.

Tell me a little about these albums, why you chose to make two of them, where the album titles come from, maybe with some considerations on the individual songs. My favorite songs are “Cul de Sacs & tunnels” and “Water in Our Hands”. Maybe if you can spend a few more words on these two...

Chris: Once we realized we had 91 minutes of new music we had to make the decision as to whether we record and release all of it, or whether we just release one album of @ 60 minutes. We very quickly realized that every single one of these songs deserved to be heard, so we discussed one long double album or 2 shorter albums. As children of the 1970’s we liked the idea of 2 shorter (45 minute each) albums. I call vii “the shorts” and II “the longs.”
Brett: We decided to release two albums because we felt 90 minutes of new music was a lot. Breaking them into two 45-minute collections felt right, manageable, and more cohesive. The album titles evolved over time. The idea of Time, and the evolving way in which humans view and exist in it, always communicating and demonstrating who, how, and why we are, through any communicable means and technological innovation, seemed to underscore and influence the music Chris, Ray, and I were writing. Questions of too much noise verses too much silence, chaos verses order, tradition verses progress. These ideas and many others seemed to exist under three words – Time, Silent, and Radio.
Ray: Well, we have never put 2 albums out at the same time. so there’s that angle….As far as the title goes, we were all trying our hand at coming up with the best title ever…..for weeks….then Brett came up with TimeRadioSilent. Chris tossed out the idea of changing the words around and voila TimeSilentRadio was born. I’ll give you some insight on “Cul De Sacs”. My full time job is as a Certified Nurses Aide. I work in a community dedicated to dementia. This is a letter (through my eyes) from a husband to his wife as he slowly looses her.

I imagine the choice to self-finance yourselves is due to the desire to maintain artistic independence. The price to pay, however, is that of semi-anonymity unfortunately. I know that making Echolyn records is not your main profession. Can you talk a little about your lives and how Echolyn, at this moment, fits into them?

Chris: Having artistic control is everything as an artist; that has always been important to us as musical artists in echolyn. Our day jobs allow us to earn/make a living - and for me it’s doing something I love and am very passionate about = teaching. I’m currently a Music Educator for every 6th thru 12th grader at a private independent day school in Berlin, MD. I conduct 3 Choirs/Choruses, 3 Concert Bands, 3 General Music/Music Appreciation classes, a Digital Audio elective and I’m the yearly Music Director for the high school musical - recent musical productions include Footloose, Mamma Mia, The Lion King, Shrek, Beauty and the Beast, The Pajama Game, The Sound of Music and The Addams Family. It’s a full-time job, but I love the impact I get to make on young students and artists each and every day.
Brett: Self-finance, or where the money comes from to record and manufacture our music, has no bearing on our songs other than the practical means in which we afford the costs of recording and manufacturing. These two new albums were different in that they were made in the era of streaming music (the past 10 years). This new way in which we listen to music has greatly influences the way in which artists make money for their music. Streaming is both a wonderful invention for music and a horrible curse for songwriters. I personally have been trying to make a living with music, songwriting, audio engineering, and music production since I got out of high school in 1984. I still am, but because of technological changes influencing recording methods, the ability to learn and play instruments, how to share music, and how music composition is used and paid for, I have also had to find other ways to pay my bills. Teaching sound-related classes at a collegiate level is one way I do this. I hope to move even more into academia to better serve the art of learning and sharing information for better prosocial outcomes.
Ray: As I said in the prior question I work as ‘’ guide” for our residents who are transitioning between this life and the next. I have taken some of their best rambles and put them on theses albums. There is never a dull moment.

I imagine your admirable artistic independence was also among the reasons for Sony’s lack of interest in you after you signed a contract that seemed to have launched you into the music scene. Can you tell me what really happened on that occasion, how you reacted and how you then decided to start being Echolyn again?

Chris: We had tour support monies that were squandered by Sony/Epic Records on other things other than our tour support…so without enough album sales, and no tour support, we sadly became a tax write-off for Sony.
Brett: We were a pet project for an A&R guy that loved progressive rock. He never thought it would work (despite our hard work and commitment) and ended up pocketing/stealing our tour support ($75,000) then claiming us as yet another write-off for Sony tax accountants. He crushed our dreams and tireless full-time work ethic of six years with his selfish narcissism and lack of respect for what we had accomplished and the possibilities we were fully capable of achieving. Our families suffered. After the initial fallout and the passage of four years, Ray, Chris, and I got back together because the three of us loved working together, and despite the horror show of failure imparted on us from Sony, we authentically missed each other’s company. Paul Ramsey (drums) and Tom Hyatt (bass) did not feel the same way that Ray, Chris and I felt… which is why Ray played bass on Cowboy Poems Free and Jordan Perlson joined us on drums.
Ray: We were on top of the world. Kings among uncommon. What it boiled down to was that they really had no idea what to do with us. We did however get a chance that not many bands get, let alone a prog form Philly. We tried to take advantage of everything we could, unfortunately when it came down to touring, which was our strongest asset, there was no money left. Without touring there was no new exposure. No new exposure no new sales. No new sales no new album. No new album… goodbye. When Brett, Chris and I write together, We are echolyn.

Let's continue with the dive into the past. Can you tell me, for each of your albums, how you analyze it in hindsight, what feelings it gives you today and how you judge your works? PS: it also applies, if you have time and desire, to the works not signed by Echolyn, such as Still, Always Almost, Finneus Gauge, Rise Twain and the solo works by Brett and Ray.

Chris: In terms of our Echolyn output I’m still very proud of "mei", "The End is Beautiful", The Windowpane Album, "I Heard You Listening", "as the world", "Suffocating the Bloom" and (of course) the 2 most recent TimeSilentRadio albums. I’m also incredibly proud of the 2 Finneus Gauge records (‘more once more’ and ‘one inch of the fall’) that were released in 1997 and 1999 = I still feel both of those albums are light-years ahead of their time musically, as it was an important time period where I was acting as both a band-leader and lead composer. Those years were incredibly fun and challenging musically, as everyone in that band was playing to their fullest and utmost potential, often times pushing our own musical boundaries harder and faster than we ever imagined was possible.
Brett: 1991 Debut album: I look back at it as a major achievement to find talented, like-minded people that wanted to work and create music together. We made it all ourselves. Our first album represents our nascent experiences with recording and song composition. Shades, Meaning and the Moment, and The Great Men still hold a special place despite their naivety. 1992 “Suffocating the Bloom”: I look at this album as the first indication of what we aspired for. It was us against everyone, it was authentic and unique, and we had the goods to be great – which we were. 1993 “and Every Blossom”: Our first recording where I felt like I was capturing good quality sounds. My remix for the box set show this. This little EP is undeniably unique and demonstrates our developing harmonic ears. 1994-95 “As the World”: This album shows the buzz we had in 1993. It was written in the exuberance and energy of that year. We were hot and in a groove of live gigs and song composition. This was the year we got the record deal with Sony…and ironically the beginning of the end for the band due to our involvement with them. The album took too long to release (a year and a half) and stifled the energy and momentum we had. Despite the darkness I attach to this album it was also a time where we got to work with Glenn Rosenstein who taught us much about the industry and how to make a record. The best of times was the fall of 1993 through the spring of 1994, writing and recording the 16 songs for “As the World” – after that was a slow slide away from the rich exuberance we had created on our own.
Ray: This is a loaded question……we have all grown to be sooooooo much better as songwriters and lyricists. For me, in the early days I was more of a look at me and what I can do kind of writer. Our time recording in Nashville was very humbling for me. It has taken a long time but think I can say that I have finally found my voice. We are always writing…..some of my songs end up as an echolyn song, some are for another Ray album and some are just for my dog and cats.

What happened to Tom Hyatt and Paul Ramsey, the other two historical members of the band? Is there a possibility that you will still do things together?

Chris: Both guys just needed/wanted a break from full-time echolyn on their own terms. We were at first disappointed by their departures, but we also realized that the music writing process could/would still continue without them, as Ray, Brett and I have always been the main echolyn songwriters.
Brett: I have no contact with either of them but wish them well in their lives. I see no reason to work with them because not having them in the band has only increased the potency and efficiency of what Chris, Ray and I have always done, i.e., write the music.
Ray: Tom has found the girl of his dreams and is living his best life. Someday it would be cool to sit in a room with Tom and play some of the old tunes…… but Paul, Paul is the past.

Jordan Perlson did an amazing job on “Time Silent Radio”. He had collaborated with you guys in the past, so I imagine that was the reason why you chose to include him in the band. Can you talk about how he contributed to the sound of this latest work? And, of course, I also ask Jordan about his thoughts on both working with the band and on the record.

Chris: Jordan was a Concert Band/Jazz Ensemble student of mine when he was 15-18 years old at the former school I used to teach in PA (Abington Friends School); even back then he was a dedicated workhorse of a musician, always in the practice room during free periods working on his rudiments. I invited him to the echolyn studios in the spring of 2000 when he was a senior and we asked him to record a few tracks with us for our Cowboy Poems Free album…he did an amazing job and played on 3 of those album tracks. Jordan then went to and graduated from Berklee College of Music in Boston, Mass and has since toured and played with Tiger Okoshi, The Blue Man Group, Becca Stevens, Adrian Belew and Snarky Puppy. He currently lives in Nashville and is on their regular call list for studio drummers. Jordan is an amazing dynamic and experienced drummer and working with him is always fun and rewarding because he listens to the songs so well and honestly and reacts very naturally to what he hears with what he then chooses to play.
Brett: We would not have released another echolyn album if Jordan did not want to participate. His creativity, nature, and professionalism made the music better and the recording both joyful and exciting.
Ray: We have history with Jordan. He gets it. He is the push that makes us move.

One of my dreams is to see you live. Unfortunately when you came to Italy (I think it was the tour of The End Is Beautiful) I couldn’t come. My girlfriend tells me to cultivate the dream of organizing a concert of yours since I am the president of a cultural association called Libere Menti (Free Minds). I don’t think it’s economically and logistically possible, but never say never. Regardless of whether I manage to fulfill my dream or not, is the idea of doing concerts a closed door for you or do you cultivate the hope of still being able to do it?

Chris: While our European and UK tour in 2005 was an amazing adventure and accomplishment, with the 4 of us living so distanced now (Brett and Ray in PA, Jordan in Nashville and myself in Southern Delaware) the possibility of touring is now dismissed quite a bit due to day jobs and distance. That being said, that doesn’t mean we might not still try and record a live concert video or do a few shows locally if the opportunity presents itself.
Brett: I hope to be able to play the songs form our last three albums someday, sooner than later. I still feel I am able to play and sing at my best. That time is getting shorter though.
Ray: We all say that it would be nice to do 1 more tour. We have 4 albums that need to be heard live! Someday maybe then.

If you had to take only three records to a desert island, which ones would you choose?

Chris: Igor Stravinsky - The Rite of Spring; Pat Metheny - Secret Story; Radiohead - The Bends
Brett: I would hate to listen to the same thing over and over again!! That would be a nightmare! As a joke, I’d have and play the end theme from the movie Jaws by John Williams to inspire me to make a raft and swim off that island. It’s a beautiful and fitting piece of music for that situation.
Ray: Black Sabbath : Sabbath Bloody Sabbath. The Slipknot debut. Kate Bush Hounds Of Love

Which musicians have most influenced you in your respective instruments?

Chris: Stravinsky, Debussy, Chopin and Liszt are all high on my influence list, but more modern jazz and rock artists like Herbie Hancock, John Coltrane, Pat Metheny, Lyle Mays and Allan Holdsworth also rank very high as musical influences for me. I respect and admire how each of those musicians leaned into the discomfort of writing and playing music that was different than their peers - which historically has put all of them at the forefront of musical advancement and creativity. That is something I am very proud of with the music of echolyn = we sound like ourselves yet we’re always truly progressing forward as a band of creative and truly original artists. In short, I want my musical output to outlive me; I think I’m still successfully on that path.
Brett: As a kid in my teens, Jimmy Page, Tony Iommi, Pete Townshend, Steve Howe, and Alex Lifeson were the folks I played along with to learn guitar in my teens. In my early 20s it was probably Pat Metheny, Alan Holdsworth, and Anthony Phillips. After that I started focusing on finding my own style and voice. I like guitar players that understand song composition and arranging. I don’t really care about flashy technique other than being able to play with feel and thoughtful creativity. I think the guitar ideas that Johnny Greenwood demonstrates in Radiohead and now in The Smile are inspiring. Just listen to songs like The Slip, Bending Hectic, Eyes and Mouth, etc., from his band The Smile, I thought and still think Elliot Smith was an amazing guitar player and multi-instrumentalist, unique and highly creative. Tom Bukovac, Blake Mills, Nels Clien, and Julian Lage also inspire me for their authentic and creative styles.
Ray: As a singer I would have to say Nat King Cole, Glenn Campbell, Phil Lynott. As a bassist…. Geezer Butler, James Dewar, Richard Sinclair.

A few days ago I was discussing with a friend about streaming music. I read in an article that the average time spent listening to a song on Spotify is 18 seconds. In my opinion, this is a terrible statistic that shows how streaming has damaged music in an artistic sense. Because quality music requires a minimum amount of effort. Opening a disc, inserting it into the player and listening to it requires some kind of participation that is more difficult to achieve with streaming. For me, it is emblematic of a certain system that aims to infantilize and disengage the masses, who thus become more easily malleable. What do you think about it? And how do you relate to streaming as a band?

Chris: The biggest danger, and musical disappointment, that we’ve encountered is most of the world now feels that streaming music is their right - not realizing that most artists aren’t making any money from that medium. We spent $45k over 8 years making these 2 albums and we had hoped to raise at least that much to cover our costs, while having some money in the bank for a next album, but the biggest challenge is re-educating a public to the actual costs of things and the paltry existence artists make when their only source of income is streaming revenue. That is also why we did a presale and also pressed CDs - as there is still a decent-sized worldwide audience and market for physical product (thank goodness)!
Brett: The value of music has an art has decreased, not only monetarily for songwriters, but also for consumers. Music has been relegated to an artform anyone can make and listen to with a few easy button clicks. Music creation today is like an infant telling a parent they have done something worthy of notice (like using the toilet) then moving on to the next expected anodyne thing. Music is not earned; it doesn’t allow value because there is no cost. The ritual of learning, listening, and sharing music has taken a major detrimental, societal, artistic demoting because of various instrument, recording, and listening technologies.
Ray: Streaming is the root of all evil……

What future is there for Echolyn? Did you use all the material for Time Silent Radio or do you have some compositions ready or, at least, in embryo? Will you wait another 10 years before a new album? Personally, I hope not…

Chris: I have hopes to put all 4 of us in a room together to write and hash-out another album of music over the next 2-3 years. I would personally not want to wait 10 years again, as that was frustrating for us as well - but given my cancer diagnosis and Covid, coupled with our distance, we still made the best of what time we did have. However, time has no place and time is also the great equalizer - so I’d like to think we’ll find a way to put us all in the same space together sooner than later to see where our music might go next after the TimeSilentRadio releases. Ironically enough, the song ‘Time Has No Place’ was the last song written for this collection of music…so if that’s an indicator of where we might go next, I feel it’s a very promising one!
Brett: Who knows! Right now, we want to promote and share these two new albums that deserve our time.
Ray: The future for now is to give these albums their proper due. Promote. Promote. Promote. We always have something in the works. We are always scribbling words, melodies and riffs. To strike again while the irons are hot would be ideal but…… 10 years to us is a blink of an eye.

One last question, but perhaps the most important: can you explain to me how the name Echolyn came about?

Chris: We needed an original band name that no one else had that best represented us. Brett and Ray used to be in a cover band together named Narcissus. Narcissus and Echo were both famous Roman mythological gods. Brett liked the musical word echo…but there was already a band named Echo and the Bunnymen in the late-1980’s…so he added ‘lyn’ to the ending, and thus echolyn was born.
Brett: I made it up in early 1989 as a word that did not represent anything, but the music is represented.
Ray: It’s a 3 syllable word…… perfect for chanting.

We're done. Thanks again for your kindness and for the music you give us.

Chris: Many thanks for your continued support of echolyn, Marco = we heard you (and our many Italian friends and fans) listening!
Brett: Thanks Marco. We greatly appreciate your support over the years!!

Dopo dieci lunghi anni di attesa è finalmente uscito il nuovo disco degli Echolyn. In realtà non si tratta di un disco solo, bensì di due, per un totale di poco più di 90 minuti di musica. Time Silent Radio VII e Time Silent Radio II, distinti in questo modo per il numero di canzoni contenute in ciascuno dei due CD, riportano una band che appare in grande salute, totalmente indipendente artisticamente e che ci regala un lavoro che può tranquillamente essere annoverato tra le loro cose migliori (e di lavori brutti gli Echolyn non ne hanno mai prodotti). Di questo e di molto altro si è parlato nell’intervista qui di seguito a Christopher Buzby (tastiere, cori), Brett Kull (chitarre, voce solita e cori) e Ray Weston (basso, voce solista e cori) che hanno accettato di rispondere alle domande di un ammiratore come il sottoscritto…


Ciao ragazzi e grazie per la vostra disponibilità a rispondere alle mie domande. Vi ho conosciuti personalmente nel 1995. Dopo aver letto alcuni articoli su di voi in un paio di fanzine progressive rock, un amico mi ha fatto ascoltare “Suffocating the Bloom” e “As the World”, presentando brevemente la band come simile ai Gentle Giant. La scintilla non è scoccata subito (la vostra musica richiede un minimo di insistenza prima di essere apprezzata), ma poi siete diventati una delle mie band preferite. Considero gli Echolyn tra le 5 migliori band di sempre tra quelle nate dopo gli anni Settanta (se siete curiosi, le altre 4 sono Opeth, Gov't Mule, Landberk e The Amazing). Ho tutti i vostri dischi (compresi i progetti paralleli della band) ed è quindi emozionante per me potervi intervistare. Quindi scusatemi se alcune domande vi sembreranno un po' troppo da fan…
Iniziamo...
Sono passati 10 anni dall'ultimo album degli Echolyn. Non è mai passato così tanto tempo tra un album e l'altro. So che avete iniziato a lavorarci nel 2018. Perché avete lasciato passare così tanto tempo?

Chris Buzby: Mi sono trasferito a tempo pieno in quella che era la mia seconda casa nel Delaware meridionale nel luglio del 2014 e ho accettato un lavoro come insegnante a Berlin, nel Maryland. Anche se mi trovo a sole 150 miglia a sud di dove vivono Brett e Ray in Pennsylvania, sono comunque due ore e mezza di macchina solo andata... quindi purtroppo questo ha reso molto più difficile per noi vederci così spesso e con la stessa frequenza. Mi è stato anche diagnosticato un cancro alla prostata in stadio 3 nel marzo del 2019 e a giugno sono stato operato d'urgenza per l'asportazione della prostata, che mi ha tenuto fuori per alcuni mesi durante la convalescenza. Sono comunque molto felice di annunciare che sto per superare il traguardo dei 6 anni senza cancro. Il mio PSA per il PSA; ragazzi: fate il controllo!
Brett Kull: Ci riuniamo per scrivere e registrare quando il tempo lo consente e le circostanze lo richiedono.
Ray Weston: Dopo l'ultimo album avevamo bisogno di una pausa mentale, un po' di tempo per schiarirci le idee e capire dove andare. Chris e Brett hanno iniziato nel 2018 e si sono presto resi conto che avevano bisogno del ragazzo più bello della band, quindi mi hanno chiamato. Poco dopo Chris ha avuto dei problemi di salute preoccupanti... il Covid, il lavoro e, naturalmente, la vita. Non abbiamo mai sentito alcuna pressione per finire questi album. Sapevamo che le canzoni ci avrebbero detto quando sarebbero state pronte. Per me, il tempo extra ha alleviato lo stress di scrivere alcuni dei migliori testi che io e Brett abbiamo mai prodotto.

La qualità dei brani è elevatissima, a mio parere a livello dei vostri lavori migliori, credo anche perché ogni composizione è stata creata e rifinita nei minimi dettagli in tutti questi anni. Spesso, scherzando, dico che dovrebbe esserci una legge che obblighi gli Echolyn a pubblicare un disco ogni due anni. Mi chiedo: cambierebbe la qualità delle composizioni se foste più veloci? E mi date un po’ una descrizione di come funziona il processo compositivo e di registrazione?

Chris: Sono felicissimo di sentire che la qualità di questi nuovi brani sia così alta per te: anche noi li consideriamo tra i nostri migliori lavori musicali, ad oggi, come band. Il processo inizia sempre con Brett, Ray o io che portiamo un'idea alla band per una sessione di presentazione. Durante quella sessione ci lavoriamo su, la analizziamo e decidiamo se sembra Echolyn o abbastanza Echolyn. È un processo interessante a cui assistere e partecipare, perché una volta creata l'impalcatura di un brano, lavoriamo per aggiungere le nostre parti e sezioni individuali alle idee originali, inclusi testi, linee melodiche, armonie vocali, stacchi strumentali, sezioni soliste, tracce di batteria, ecc.
Brett; Una volta iniziato il processo di scrittura e registrazione, almeno per me, ci sentiamo spinti a completare qualsiasi cosa stiamo facendo, con ovvio rispetto per tutto il resto della nostra vita. In realtà lavoriamo molto velocemente quando siamo insieme perché intuitivamente siamo concentrati sulla scrittura. Ciò che influenza la durata del nostro processo è ciò che accade negli spazi tra noi quando siamo insieme. L'unica "legge" che ci costringerebbe a finire canzoni e album più velocemente sarebbe una legge che stabilisca che veniamo remunerati abbastanza per pagare le bollette e vivere una vita normale attraverso la nostra musica. Guadagnare con la nostra musica non ha alcun impatto sulla sua qualità, ma influisce (come altre cose) sul tempo che possiamo dedicare a lavorare sui nostri brani. In breve, il processo di scrittura è diventato una seconda natura a questo punto. Chris, Ray ed io lo facciamo insieme dal 1989 e siamo diventati pericolosamente bravi ed efficienti nel lavorare insieme. Lavoriamo insieme quando troviamo il tempo.
Ray: Più veloce non è meglio. Noi, io, abbiamo bisogno che la vita accada per trovare nuovi spunti di cui scrivere. La musica... è tutta un'altra storia. Possiamo improvvisare tutto il giorno, ma i riff che creiamo devono portare il peso di ciò che siamo. Quindi ripeto: più veloce non è meglio.

Dopo anni di autoproduzione vi siete affidati nuovamente a un produttore, nella fattispecie Glenn Rosenstein. Come mai questa scelta?

Chris: Glenn è stato effettivamente assunto per mixare e masterizzare i brani del nuovo album insieme a Brett, poiché quest'ultimo era molto legato al progetto e desiderava e aveva semplicemente bisogno di un orecchio e di una prospettiva esterni. Glenn ha portato onestà al processo, che ha incluso anche la fantastica opportunità di utilizzare gran parte del suo studio e delle sue attrezzature esterne, aggiungendo lucentezza e brillantezza alla nuova musica, un mix cristallino ma anche incredibilmente caldo e invitante a livello sonoro.
Brett: In realtà, i nuovi album, “Time Silent Radio II” e “VII”, sono prodotti come tutti i nostri album, tranne “As the World”. Chris, Ray e io lavoriamo allo stesso modo e miglioriamo fin dal primo giorno. Di solito passo la maggior parte del tempo a pensare a come le nostre idee si incastrino tra loro, a registrarle e a mixarle. Non intendo sminuire il contributo di Chris e Ray, lo dico solo per sottolineare l'ovvietà pratica del mio ruolo di ingegnere del suono e di colui che decide come il puzzle di una canzone si incastra attraverso la tecnologia a mia disposizione. Penso costantemente ai suoni e a come si combinano per creare le emozioni che intendiamo, Questo fa parte di ciò che fa un produttore e di ciò che faccio io fin dal primo giorno, come detto. Ray e Chris si fidano di me su questo e io mi affido a loro e mi fido di loro perché mi mantengano al massimo livello nel servire la musica. Lo paragonerei a quello che fa Chris che scrive parti di archi o fiati per la nostra musica. Il più delle volte lavora da solo, dedicandoci tempo e creando accompagnamenti straordinari per le nostre canzoni. Ray ed io ci fidiamo di Chris e gli permettiamo di creare i suoi arrangiamenti in autonomia, proprio come Ray e Chris si fidano e mi permettono di riarrangiare gli arrangiamenti, fare scelte sui suoni e mettere insieme tutti gli elementi con lungimiranza verso il prodotto finale. È stato così per tutti i nostri album tranne "As the World". In quel caso avevamo Glenn Rosenstein come produttore. Per i nostri due nuovi album, "Time Silent Radio II" e "VII", non sono riuscito a ottenere i mix che volevo perché ero troppo immerso e troppo a lungo nella produzione, nella scrittura e nell'esecuzione dei nostri brani per occuparmi oggettivamente dei brani come fonico del mix. In breve, Glenn è intervenuto e ci ha portato al traguardo, dimostrandosi un fonico di mixaggio fresco e molto obiettivo. Ha ascoltato la mia produzione e ha fatto il necessario per elevare la musica al livello a cui aspiravamo come band. Il fatto che Glenn abbia assorbito l'immensità di questo progetto e sia riuscito a fare ciò che ha fatto è una dimostrazione del suo talento, sia come produttore che come fonico.
Ray: Brett ha uno degli orecchi migliori del settore. La sua visione, la sua capacità di creare spazio sono straordinarie. Detto questo, sentiva di aver portato queste canzoni al limite delle sue possibilità. Con un po' di fortuna e un pizzico di nostalgia, il nostro amico Glenn è intervenuto e ha dato a Brett ancora più spazio.

Parlatemi un po’ di questi dischi, di come mai avete scelto di realizzarne addirittura due, da cosa nascono i titoli degli album, magari con qualche considerazione sulle singole canzoni. I miei pezzi preferiti sono “Cul de Sacs & Tunnels” e “Water in Our Hands”. Magari se potete spendere qualche parola in più per questi due…

Chris; Una volta che ci siamo resi conto di avere 91 minuti di nuova musica, abbiamo dovuto decidere se registrarla e pubblicarla tutta, oppure se pubblicare un solo album di 60 minuti. Ci siamo resi conto molto rapidamente che ognuna di queste canzoni meritava di essere ascoltata, quindi abbiamo discusso di un doppio album lungo o di due album più corti. Da figli degli anni '70, ci piaceva l'idea di due album più corti (45 minuti ciascuno). Io chiamo VII "i brevi" e II "i lunghi".
Brett; Abbiamo deciso di pubblicare due album perché ritenevamo che 90 minuti di nuova musica fossero troppi. Dividerli in due raccolte da 45 minuti ci è sembrato giusto, gestibile e più coerente. I titoli degli album si sono evoluti nel tempo. L'idea del Tempo e il modo in continua evoluzione in cui gli esseri umani lo percepiscono ed esistono al suo interno, comunicando e dimostrando costantemente chi, come e perché siamo, attraverso qualsiasi mezzo comunicabile e innovazione tecnologica, sembravano sottolineare e influenzare la musica che Chris, Ray e io stavamo scrivendo. Questioni come troppo rumore contro troppo silenzio, caos contro ordine, tradizione contro progresso. Queste idee e molte altre sembravano convivere in tre parole: Tempo, Silenzio e Radio.
Ray: Beh, non abbiamo mai pubblicato due album contemporaneamente. Quindi c'è questo aspetto... Per quanto riguarda il titolo, ci siamo impegnati tutti a trovare il titolo migliore di sempre... per settimane... poi Brett ha inventato TimeRadioSilent. Chris ha lanciato l'idea di cambiare le parole e voilà, TimeSilentRadio è nato. Ti darò qualche spunto su “Cul De Sacs”. Il mio lavoro a tempo pieno è quello di Assistente Infermieristico Certificato. Lavoro in una comunità dedicata alla demenza. Questa è una lettera (vissuta attraverso i miei occhi) da un marito a sua moglie mentre la perde lentamente.

La scelta di autofinanziarvi immagino sia dovuta al desiderio di mantenere indipendenza artistica. Lo scotto da pagare però è quello del semi anonimato purtroppo. So che fare i dischi degli Echolyn non è la vostra professione principale. Potete parlare un po’ delle vostre vite e come gli Echolyn, in questo momento, si collocano all’interno di esse?

Chris: Avere il controllo artistico è fondamentale per un artista; questo è sempre stato importante per noi musicisti di Echolyn. I nostri lavori quotidiani ci permettono di guadagnare/vivere, e per me significa fare qualcosa che amo e che mi appassiona molto: insegnare. Attualmente sono un insegnante di musica per tutti gli studenti dal sesto al dodicesimo anno di una scuola privata indipendente diurna a Berlin, nel Maryland. Dirigo 3 cori, 3 bande concertistiche, 3 corsi di musica generale/apprezzamento musicale, un corso elettivo di audio digitale e sono il direttore musicale annuale del musical della scuola superiore: le produzioni musicali recenti includono Footloose, Mamma Mia, Il Re Leone, Shrek, La Bella e la Bestia, Il Gioco del Pigiama, Tutti Insieme Appassionatamente e La Famiglia Addams. È un lavoro a tempo pieno, ma adoro l'impatto che riesco ad avere su giovani studenti e artisti ogni giorno.
Brett: L'autofinanziamento, ovvero la provenienza del denaro per registrare e produrre la nostra musica, non ha alcuna influenza sulle nostre canzoni, se non il modo pratico in cui ci rendiamo conto dei costi di registrazione e produzione. Questi due nuovi album sono stati diversi perché sono stati realizzati nell'era dello streaming musicale (negli ultimi 10 anni). Questo nuovo modo di ascoltare la musica ha influenzato notevolmente il modo in cui gli artisti guadagnano con la loro musica. Lo streaming è sia una meravigliosa invenzione per la musica che una terribile maledizione per i cantautori. Personalmente, ho cercato di guadagnarmi da vivere con la musica, la scrittura di canzoni, l'ingegneria del suono e la produzione musicale da quando ho finito il liceo nel 1984. Lo sto ancora facendo, ma a causa dei cambiamenti tecnologici che influenzano i metodi di registrazione, la possibilità di imparare e suonare strumenti, il modo di condividere la musica e il modo in cui la composizione musicale viene utilizzata e pagata, ho dovuto trovare anche altri modi per pagare le bollette. Tenere lezioni associate al suono a livello universitario è uno dei modi in cui lo faccio. Spero di entrare ancora di più nel mondo accademico per servire meglio l'arte dell'apprendimento e della condivisione delle informazioni per ottenere risultati migliori per la società.
Ray: Come ho detto nella risposta precedente, lavoro come "guida" per i nostri residenti che stanno attraversando la transizione tra questa vita e l'aldilà. Ho raccolto alcune delle loro migliori divagazioni e le ho inserite in questi album. Non c'è mai un momento di noia.

La vostra ammirevole indipendenza artistica immagino sia stata anche tra le cause dello scarso interesse della Sony nei vostri confronti dopo che avevate firmato un contratto che sembrava avervi lanciato nel giro musicale che conta. Mi potete raccontare cosa è successo realmente in quell’occasione, come avete reagito e come avete poi deciso di ricominciare a essere gli Echolyn?

Chris: Avevamo soldi per il supporto del tour che sono stati sperperati dalla Sony/Epic Records per altre cose oltre al nostro supporto del tour... quindi senza abbastanza vendite di album e nessun supporto del tour, siamo diventati tristemente una detrazione fiscale per la Sony.
Brett: Eravamo il progetto preferito di un talent scout appassionato di rock progressivo. Non ha mai pensato che avrebbe funzionato (nonostante il nostro duro lavoro e il nostro impegno) e ha finito per intascare/rubare il nostro supporto per il tour (75.000 dollari), per poi dichiararci l'ennesima svalutazione per i commercialisti della Sony. Ha distrutto i nostri sogni e la nostra instancabile etica lavorativa a tempo pieno di sei anni con il suo egoistico narcisismo e la sua mancanza di rispetto per ciò che avevamo realizzato e per le possibilità che eravamo pienamente in grado di raggiungere. Le nostre famiglie ne hanno sofferto. Dopo le prime ricadute e i quattro anni trascorsi, io, Ray e Chris ci siamo riuniti perché amavamo lavorare insieme e, nonostante l'orrore del fallimento inflittoci dalla Sony, sentivamo sinceramente la mancanza reciproca. Paul Ramsey (batteria) e Tom Hyatt (basso) non la pensavano allo stesso modo... ed è per questo che Ray ha suonato il basso in Cowboy Poems Free e Jordan Perlson si è unito a noi alla batteria.
Ray: Eravamo al settimo cielo. Re tra i pochi. In sostanza, non avevano davvero idea di cosa fare con noi. Abbiamo comunque avuto un'opportunità che non capita a molte band, figuriamoci a una band prog di Philadelphia. Abbiamo cercato di sfruttare tutto ciò che potevamo, purtroppo quando si è trattato di andare in tour, che era il nostro punto di forza, non c'erano più soldi. Senza tour non c'era nuova visibilità. Nessuna nuova visibilità, nessuna nuova vendita. Nessuna nuova vendita, nessun nuovo album. Nessun nuovo album... addio. Quando Brett, Chris ed io scriviamo insieme, siamo semplicemente Echolyn.

Proseguiamo col tuffo nel passato. Mi potete dire, per ognuno dei vostri dischi, come lo analizzate a posteriori, che sensazioni vi provoca oggi e che giudizio date dei vostri lavori? PS: vale anche, se avete tempo e voglia, per i lavori non a firma Echolyn, tipo Still, Always Almost, Finneus Gauge, Rise Twain e i solisti di Brett e Ray.

Chris: Per quanto riguarda la nostra produzione di Echolyn, sono ancora molto orgoglioso di "Mei", "The End Is Beautiful", "The Windowpane Album", "I Heard You Listening, As the World", "Suffocating the Bloom" e (ovviamente) dei due album più recenti TimeSilentRadio. Sono anche incredibilmente orgoglioso dei due dischi "Finneus Gauge" ("More Once More" e "One Inch of the Fall") pubblicati nel 1997 e nel 1999. Ritengo ancora che entrambi gli album siano musicalmente anni luce avanti rispetto al loro tempo, dato che è stato un periodo importante in cui ho ricoperto sia il ruolo di leader della band che di compositore principale. Quegli anni sono stati incredibilmente divertenti e stimolanti musicalmente, poiché tutti in quella band suonavano al massimo delle loro potenzialità, spesso spingendo i nostri limiti musicali più forte e più velocemente di quanto avessimo mai immaginato.
Brett: Album di debutto del 1991: lo considero un grande traguardo, trovare persone talentuose e con la stessa mentalità che volessero lavorare e creare musica insieme. Abbiamo fatto tutto da soli. Il nostro primo album rappresenta le nostre prime esperienze con la registrazione e la composizione di canzoni. “Shades”, “Meaning and the Moment” e “The Great Men” occupano ancora un posto speciale nonostante la loro ingenuità. “Suffocating the Bloom” (1992): considero questo album la prima indicazione di ciò a cui aspiravamo. Eravamo noi contro tutti, era autentico e unico, e avevamo le carte in regola per essere grandiosi, e lo siamo stati. “…And Every Blossom” (1993): la nostra prima registrazione in cui ho avuto la sensazione di catturare suoni di buona qualità. Il mio remix per il cofanetto lo dimostra. Questo piccolo EP è innegabilmente unico e dimostra il nostro orecchio armonico in via di sviluppo. “As the World” (1994-95): questo album mostra l'entusiasmo che avevamo nel 1993. È stato scritto nell'esuberanza e nell'energia di quell'anno. Eravamo in fermento e immersi nel ritmo dei concerti dal vivo e della composizione di canzoni. Fu l'anno in cui ottenemmo il contratto discografico con la Sony... e ironicamente l'inizio della fine per la band, a causa del nostro coinvolgimento con loro. L'album ci mise troppo tempo a uscire (un anno e mezzo) e soffocò l'energia e lo slancio che avevamo. Nonostante l'oscurità che associo a questo album, fu anche un periodo in cui lavorammo con Glenn Rosenstein, che ci insegnò molto sull'industria discografica e su come fare un disco. Il periodo migliore fu dall'autunno del 1993 alla primavera del 1994, quando scrivemmo e registrammo le 16 canzoni di "As the World" - dopodiché ci allontanammo lentamente dalla ricca esuberanza che avevamo creato da soli.
Ray: Questa è una domanda spinosa... siamo tutti cresciuti tantissimo come cantautori e parolieri. Per quanto mi riguarda, agli inizi ero più un tipo di autore che guardava a se stesso e a quello che poteva fare. Il periodo in cui abbiamo registrato a Nashville mi ha reso molto umile. Ci è voluto molto tempo, ma credo di poter dire di aver finalmente trovato la mia voce. Scriviamo sempre... alcune delle mie canzoni finiscono per essere canzoni per gli Echolyn, altre per un altro album di Ray e altre ancora solo per il mio cane e i miei gatti.

Che fine hanno fatto Tom Hyatt e Paul Ramsey, gli altri due membri storici della band? C’è una possibilità che facciate ancora cose assieme?

Chris: Entrambi i ragazzi avevano solo bisogno/volevano una pausa dagli Echolyn a tempo pieno, alle loro condizioni. All'inizio siamo rimasti delusi dalla loro partenza, ma ci siamo anche resi conto che il processo di scrittura musicale poteva/voleva continuare anche senza di loro, dato che Ray, Brett e io siamo sempre stati i principali autori degli Echolyn.
Brett: Non ho contatti con nessuno dei due, ma auguro loro il meglio per la loro vita. Non vedo alcun motivo di lavorare con loro perché non averli nella band ha solo aumentato la potenza e l'efficienza di ciò che Chris, Ray e io abbiamo sempre fatto, ovvero scrivere musica.
Ray: Tom ha trovato la ragazza dei suoi sogni e sta vivendo la sua vita al meglio. Un giorno sarebbe bello sedersi in una stanza con Tom e suonare alcune delle vecchie canzoni... Quanto a Paul, Paul è il passato.

Jordan Perlson ha fatto un lavoro straordinario su “Time Silent Radio”. Aveva già collaborato con voi in passato e quindi immagino che la scelta di includerlo nella band sia dovuta a quello. Potete parlare di come ha contribuito al sound di questo ultimo lavoro? E, ovviamente, chiedo anche a Jordan le sue considerazioni sia sul lavorare con la band che sul disco.

Chris: Jordan era uno studente di Concert Band/Jazz Ensemble quando aveva 15-18 anni, presso la mia ex scuola in Pennsylvania (Abington Friends School); già allora era un musicista instancabile e determinato, sempre in sala prove durante le ore libere a studiare i rudimenti. Lo invitai agli studi Echolyn nella primavera del 2000, quando era all'ultimo anno, e gli chiedemmo di registrare con noi alcuni brani per il nostro album Cowboy Poems Free... fece un lavoro straordinario e suonò in tre di quei brani. Jordan si laureò poi al Berklee College of Music di Boston, Massachusetts, e da allora è stato in tournée e ha suonato con Tiger Okoshi, The Blue Man Group, Becca Stevens, Adrian Belew e Snarky Puppy. Attualmente vive a Nashville ed è regolarmente in lista come batterista da studio. Jordan è un batterista incredibilmente dinamico ed esperto e lavorare con lui è sempre divertente e gratificante, perché ascolta le canzoni così bene e onestamente e reagisce in modo molto naturale a ciò che sente con ciò che poi sceglie di suonare.
Brett: Non avremmo pubblicato un altro album degli Echolyn se Jordan non avesse voluto partecipare. La sua creatività, il suo carattere e la sua professionalità hanno reso la musica migliore e la registrazione gioiosa ed emozionante.
Ray: Abbiamo una storia con Jordan. Lui la capisce. È la spinta che ci fa muovere.

Uno dei miei sogni è di vedervi dal vivo. Purtroppo quando siete venuti in Italia (credo fosse il tour di “The End Is Beautiful”) non sono potuto venire. La mia fidanzata mi dice di coltivare il sogno di organizzare un vostro concerto dal momento che sono il presidente di un’associazione culturale che si chiama Libere Menti. Non credo sia fattibile economicamente e logisticamente, ma mai dire mai. Al di là del fatto che io riesca a coronare o meno il mio sogno, l’idea di fare dei concerti è una porta chiusa per voi oppure coltivate la speranza di poterlo ancora fare?

Chris: Sebbene il nostro tour europeo e britannico del 2005 sia stato un'avventura e un traguardo straordinari, ora che viviamo così distanti (Brett e Ray in Pennsylvania, Jordan a Nashville e io nel Delaware meridionale), la possibilità di fare un tour è ormai ampiamente scartata a causa dei lavori giornalieri e della distanza. Detto questo, non significa che non proveremo comunque a registrare un video di un concerto dal vivo o a fare qualche concerto in zona, se si presenta l'occasione.
Brett: Spero di poter suonare le canzoni dei nostri ultimi tre album un giorno, prima possibile. Sento ancora di essere in grado di suonare e cantare al meglio. Quel tempo però si sta accorciando.
Ray: Diciamo tutti che sarebbe bello fare un altro tour. Abbiamo quattro album che devono essere ascoltati dal vivo! Un giorno, forse…

Se doveste portare tre soli dischi su un’isola deserta quali scegliereste?

Chris: Igor Stravinsky – “The Rite of Spring”; Pat Metheny – “Secret Story”; Radiohead – “The Bends”.
Brett: Non vorrei ascoltare la stessa cosa più e più volte! Sarebbe un incubo! Per fare un gioco, metterei su il tema finale del film "Lo squalo" di John Williams per ispirarmi a costruire una zattera e a nuotare via da quell'isola. È un brano bellissimo e perfetto per quella situazione.
Ray: Black Sabbath – “Sabbath Bloody Sabbath”. L’album di debutto dei The Slipknot. Kate Bush – “Hounds of Love”.

Quali sono i musicisti che più vi hanno influenzato nei vostri rispettivi strumenti?

Chris: Stravinsky, Debussy, Chopin e Liszt sono tutti in cima alla mia lista di influenze, ma anche artisti jazz e rock più moderni come Herbie Hancock, John Coltrane, Pat Metheny, Lyle Mays e Allan Holdsworth occupano un posto di rilievo tra le mie influenze musicali. Rispetto e ammiro il modo in cui ognuno di questi musicisti si è immerso nel disagio di scrivere e suonare musica diversa dai propri coetanei, il che storicamente li ha posti tutti all'avanguardia nel progresso e nella creatività musicale. È un aspetto di cui vado molto fiero nella musica degli Echolyn: suoniamo come noi stessi, eppure continuiamo a progredire come una band di artisti creativi e davvero originali. In breve, voglio che la mia produzione musicale mi sopravviva; credo di essere ancora su quella strada con successo.
Brett: Da adolescente, Jimmy Page, Tony Iommi, Pete Townshend, Steve Howe e Alex Lifeson erano i ragazzi con cui mi esecitavo per imparare a suonare la chitarra. Nei miei primi vent'anni probabilmente erano Pat Metheny, Alan Holdsworth e Anthony Phillips. Dopo di loro ho iniziato a concentrarmi sulla ricerca del mio stile e della mia voce. Mi piacciono i chitarristi che capiscono la composizione e l'arrangiamento delle canzoni. Non mi interessa molto la tecnica appariscente, ma la capacità di suonare con sentimento e creatività ponderata. Penso che le idee chitarristiche che Johnny Greenwood dimostra nei Radiohead e ora negli Smile siano fonte di ispirazione. Basta ascoltare canzoni come The Slip, Bending Hectic, Eyes and Mouth, ecc., della sua band, gli Smile, per capire ciò che penso, e credo ancora che Elliot Smith fosse un chitarrista e polistrumentista straordinario, unico e di grande creatività. Anche Tom Bukovac, Blake Mills, Nels Clien e Julian Lage mi ispirano per il loro stile autentico e creativo.
Ray: Come cantante direi Nat King Cole, Glenn Campbell, Phil Lynott. Come bassista... Geezer Butler, James Dewar, Richard Sinclair.

Nei giorni scorsi discutevo con un amico a proposito della musica in streaming. Ho letto in un articolo che il tempo medio di fruizione di un brano musicale su Spotify è di 18 secondi. A mio parere un dato terribile che dimostra come lo streaming abbia nuociuto alla musica in senso artistico. Perché la musica di qualità un minimo impegno lo richiede. Aprire un disco, inserirlo nel lettore e ascoltarlo richiede una qualche partecipazione che con lo streaming è più difficile da avere. Per me è emblematico di un certo sistema che mira all’infantilizzazione e al disimpegno delle masse, che diventano così più facilmente malleabili. Voi cosa ne pensate? E come vi rapportate allo streaming come band?

Chris: Il pericolo più grande, e la delusione musicale, che abbiamo incontrato è che la maggior parte del mondo ora ritiene che lo streaming musicale sia un loro diritto, senza rendersi conto che la maggior parte degli artisti non guadagna nulla da questo mezzo. Abbiamo speso 45.000 dollari in 8 anni per realizzare questi 2 album e speravamo di raccogliere almeno quella cifra per coprire i costi, pur avendo un po' di soldi in banca per un prossimo album, ma la sfida più grande è stata rieducare il pubblico ai costi reali delle cose e alla misera esistenza che gli artisti conducono quando la loro unica fonte di reddito è lo streaming. È anche per questo che abbiamo fatto una prevendita e abbiamo anche stampato dei CD, dato che c'è ancora un pubblico e un mercato mondiale di dimensioni decenti per i prodotti fisici (grazie al cielo)!
Brett: Il valore della musica come arte è diminuito, non solo in termini economici per gli autori, ma anche per i consumatori. La musica è stata relegata a una forma d'arte che chiunque può creare e ascoltare con pochi semplici clic. Creare musica oggi è come un bambino che dice a un genitore di aver fatto qualcosa di degno di nota (come usare il bagno) e poi passa alla successiva cosa insignificante prevista. La musica non si guadagna; non dà valore perché non ha un costo. Il rituale dell'apprendimento, dell'ascolto e della condivisione della musica ha subito un declassamento sociale e artistico a causa delle varie tecnologie strumentali, di registrazione e di ascolto.
Ray: Lo streaming è la radice di tutti i mali…

Che futuro ci sarà per gli Echolyn? Avete usato tutto il materiale per “Time Silent Radio” o avete qualche composizione già pronta o, almeno, in embrione? Farete passare altri 10 anni prima di un nuovo disco? Personalmente spero di no…

Chris: Spero di riunirci tutti e quattro in una stanza per scrivere e lavorare a un altro album nei prossimi 2-3 anni. Personalmente non vorrei aspettare altri 10 anni, perché anche per noi è stato frustrante, ma data la mia diagnosi di cancro e il Covid, uniti alla distanza, abbiamo comunque sfruttato al meglio il tempo che avevamo. Tuttavia, il tempo non ha luogo e il tempo è anche il grande livellatore, quindi mi piacerebbe pensare che troveremo un modo per riunirci tutti nello stesso spazio prima possibile per vedere dove potrebbe arrivare la nostra musica dopo l'uscita di “TimeSilentRadio”. Ironicamente, la canzone "Time Has No Place" è stata l'ultima scritta per questa raccolta... quindi se questo è un indicatore di dove potremmo arrivare in futuro, penso che sia molto promettente!
Brett: Chissà! Per il momento vogliamo promuovere e condividere questi due nuovi album che meritano il nostro tempo.
Ray: Il futuro, per ora, è dare a questi album il giusto riconoscimento. Promuovere. Promuovere. Promuovere. Abbiamo sempre qualcosa in cantiere. Scarabocchiamo continuamente parole, melodie e riff. Battere di nuovo finché il ferro è caldo sarebbe l'ideale, ma... 10 anni per noi sono un batter d'occhio.

Un’ultima domanda, ma forse la più importante: mi potete spiegare come è nato il nome Echolyn?

Chris: Avevamo bisogno di un nome originale per la band che nessun altro avesse e che ci rappresentasse al meglio. Brett e Ray erano soliti suonare insieme in una cover band chiamata Narcissus. Narciso ed Echo erano entrambi famosi dei mitologici romani. A Brett piaceva la parola musicale Echo... ma c'era già una band chiamata Echo and the Bunnymen alla fine degli anni '80, quindi aggiunse "lyn" alla desinenza, e così nacque Echolyn.
Brett: L'ho inventato all'inizio del 1989 come una parola che non rappresentava nulla, ma rappresentava la musica.
Ray: È una parola di 3 sillabe... perfetta per cantare.

Abbiamo concluso. Grazie ancora per la vostra gentilezza e per la musica che ci regalate.

Chris: Grazie mille per il tuo continuo supporto a Echolyn, Marco. Ti abbiamo sentito, e abbiamo sentito i nostri numerosi amici e fan italiani ascoltarci (in inglese la frase diventa We “Heard you listening”, a richiamare il titolo del penultimo album degli Echolyn – ndr).
Brett: Grazie Marco. Apprezziamo moltissimo il tuo supporto in tutti questi anni!